Francisco Laranjo

Sentido e Sensibilidade

Narrating identity, uma pintura a tinta-da-china de grandes dimensões de Francisco Laranjo, surpreende pela dificuldade da sua leitura. Onde começar? A partir das margens, pela direita, entram no quadro uma série de pinceladas largas. A sua energia dinâmica e o movimento do pincel recordam a caligrafia oriental que exerceu uma enorme influência na pintura informal da década de 1950 (Georges Mathieu). Na obra de Laranjo, o traço espontâneo do pincel, como gesto vital, opõe-se à diferenciação da escrita e à sobreposição de camadas na construção da imagem. Partindo da margem, as pinceladas escuras articulam a estrutura superior da composição diante de um fundo claro. Pelo meio, pinceladas mais finas, pequenas gotas e manchas em tons cinzentos servem de ligação entre os planos. Em parte adoptam o mesmo direccionamento das pinceladas mais grossas que partem da direita, em parte circulam em pequenas unidades independentes e abrem o espaço pictórico ao lado esquerdo do quadro.

Na recepção da pintura asiática a tinta-da-china pela arte moderna europeia cruzam-se em Francisco Laranjo duas tendências: por um lado, a libertação da linha caligráfica e a expansão fluida da tinta – adoptada no surrealismo pela écriture automatique – e, por outro lado, a sobreposição de camadas translúcidas de tinta. Do equilíbrio dos contrastes surge uma experiência de espaço meditativo, que é apoiada pelo formato extremo da obra. Nela se reúnem critérios da caligrafia asiática – ligação das superfícies, recorte, claridade da tinta – com a decisão conceptual do artista. Laranjo tem preferência por formatos extremos. Neles – como nos grandes formatos de Claude Monet – o olhar alonga-se vertical e horizontalmente, o que, em conjunto com a transparência da tinta, cria um espaço pictórico pluridimensional que mantém em suspenso a relação entre o desenho e o fundo. Uma vez que o olhar apenas pode percepcionar um segmento de cada vez, o interesse desloca-se da forma accionista de pintar para o movimento do olhar, que devido à simultaneidade dos processos não encontra um fim.

Uma especial atenção é dada às margens. A margem não é nem um corte casual (hors d’oeuvre) nem uma fronteira rígida. Margem e pintura constituem um todo. Enquanto transição mais flexível entre interior e exterior ela não se limita a estabelecer a ligação. Ela constitui a obra. Assim se entende a intersecção do desenho com a margem. Ela é o lugar onde a superfície se transforma em espaço pictórico multidimensional.

A pintura de Francisco Laranjo, nascido em 1955 em Lamego, permite reconhecer traços da tradição modernista, mas não é apenas o prolongamento dessa tradição. Existem diferenças importantes e reveladoras. Por um lado, é à história do Expressionismo Abstracto, à pincelada gestual e à sensibilidade para o impulso psicográfico que a sua pintura deve a sua imediatez. Por outro lado, estes expedientes são reflectidos no quadro do pós-modernismo e aplicados conceptualmente.

E disso são reveladores, antes de mais, os títulos. Eles são alusões. Não descrevem nada. Narrating identity não remete para qualquer relato autobiográfico nem para um expressionismo psicológico. No entanto, o título sugere a verbalidade da imagem. Para lá da tradição global da arte moderna, Laranjo faz aqui referência à tradição local portuguesa e torna perceptível um idioma específico de pertença cultural. As oscilações e transformações das suas obras apresentam alguns parentescos estruturais com as “ficções” de Jorge Luis Borges. O grande formato atrai-nos, graças à transparência dos processos, para um turbilhão de sensações contraditórias. O olhar experimenta uma multiplicidade de impulsos, mas apenas pode registar uma parcela de cada vez. Daí resulta a simultaneidade de positivo e negativo – como na fotografia – em que as fronteiras entre razão e emoção, acaso e estratégia, evocações de paisagem interior e exterior são suprimidas.

Ao nível dos signos, estamos perante vários sistemas que se sobrepõem e alternam. A precisão do signo e do denominado dilui-se numa cadeia de significantes, análoga ao método do desconstrutivismo (Derrida). Relativamente à tradição moderna, tem aqui lugar uma deslocação do mito da originalidade para a eficácia da imagem e para a sua presença de matéria viva. E, assim, o desenho entendido conceptualmente torna-se idêntico com o próprio conceito da imagem.

Laranjo partilha com o romantismo alemão e os seus discípulos esta primazia do desenho como instrumento “silencioso”, que é no entanto capaz de uma afirmação global. Foi Caspar David Friedrich quem, no seu desenho auto-retrato que apresenta um olho iluminado e outro na sombra, tematisou a dialéctica do olhar simultâneo para dentro e para fora, tornando evidente a permeabilidade dos níveis de realidade. Ideia que encontrou prolongamento em Joseph Beuys, que entende o desenho como uma fusão de várias “escritas”. Laranjo tem com Beuys, a quem presta homenagem numa série de desenhos, uma afinidade espiritual. Aspectos poéticos e éticos, que se unem na assinatura em cruz de Beuys como sinal da paixão por um conceito vital, tornam patentes no desenho relações mentais e emocionais. Na obra deste artista, que acredita estar a desenhar até quando escreve o seu nome, o pessoal penetra no universal, a intimidade do privado penetra no supra-individual. Nesse processo, as transições translúcidas de claro-escuro sublinham a transferência dos signos. Nas palavras de Laranjo: “O desenho é um princípio e um fim em si mesmo. Pressupõe um processo de envolvimento de todos os sentidos e de todas as capacidades de entendimento e intuição. De olhar, simultaneamente, para nós próprios e para todo o universo”.

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Tradução do alemão de Cláudia Gonçalves

Joachim Hesinger von Waldegg: doutoramento em História da Arte, comissário e promotor de exposições nos museus de Hamburgo, Bona e Mannheim. Desde 1984, professor de História da Arte na Academia de Artes Plásticas de Karlsruhe; diversas publicações sobre arte moderna e ensaios sobre teoria da arte e do desenho.

Narrating identity, a large-scale Indian ink painting by Francisco Laranjo, is surprising in the difficulty of its reading. Where should one start? A series of broad brushstrokes come into the painting from the edges on the right. Their dynamic energy and the movement of the brush remind one of the oriental calligraphy that exerted enormous influence over the informal painting of the fifties (Georges Mathieu). In Laranjo’s works the spontaneous brushstroke, as a vital gesture, is opposed to the differentiation of writing and to the superimposing of layers in the construction of the image. The dark brushstrokes start from the edge and articulate the upper structure of the composition against a light background. In the middle, thinner strokes, little spots and stains in tones of grey serve as a link between the two planes. At some points adopt the same direction as the thicker brushstrokes that start out from the right and at other times they circulate in small, independent units and open up the pictorial space to the left side of the painting.

In Francisco Laranjo two tendencies in the reception of Asian Indian ink painting by modern European art come together: on the one hand the freeing of the calligraphic line and the flowing expansion of the ink – adopted in Surrealism through automatic writing – and on the other hand the superimposing of transparent layers of paint. The balance between the contrasts gives way to an experience of meditative space supported by the extreme format of the work. In it there is a coming together of criteria from Asian calligraphy – the connecting of surfaces, outlines and clarity of ink – and Laranjo’s conceptual decision. Laranjo prefers extreme formats. In these, as in Claude Monet’s large formats, the gaze is stretched both vertically and horizontally, which, along with the transparent nature of the ink, creates a pluri-dimensional pictorial space that suspends the relationship between the drawing and the background. As the gaze can only take in one segment at a time, interest shifts from the actionist form of painting to the movement of the gaze, which encounters no end due to the simultaneity of the processes.

Special attention is granted to the edges. The edge is neither a casual cut (hors d’oeuvre) nor a strict frontier. Edge and painting make up a whole. As a more flexible transition between the inside and the outside it is not restricted to establishing the connection. It forms the work. Thus one understands the intersection of the drawing with the edge. It is the place where the surface becomes a multi-dimensional pictorial space.

Francisco Laranjo was born in Lamego, Portugal, in 1955, and his painting allows one to recognise traces of the Modernist tradition, but it is not only the prolonging of that tradition. There are important and revealing differences. On the one hand his painting owes its immediacy to the history of Abstract Expressionism, to gestural brushstroke work and to sensitivity towards psychographic impulse. On the other hand, these techniques are reflected in the field of post-Modernism and are conceptually applied.

And what is most clearly revealing of this are the titles. They are allusions. They describe nothing. Narrating Identity does not refer to any autobiographical commentary or to any psychological expressionism. Yet the title suggests the verbal nature of the image. Beyond the global tradition of modern art, Laranjo here refers to the local Portuguese tradition and makes a specific idiom of cultural belonging perceptible. The oscillations and transformations of his works present some structural kinship with Jorge Luis Borges’s “Fictions”. The large-scale format attracts us, due to the transparency of its processes, into a whirlwind of contradictory sensations. The gaze undergoes a multiplicity of impulses, but it can only register one part at a time. The result is the simultaneity of positive and negative – like in photography – in which the frontiers between reason and emotion, chance and strategy and evocations of inside and outside landscape are suppressed.

On the level of the signs we are faced with several systems that are superimposed and alternated. The precision of the sign and of the denominated element is diluted within a chain of signifiers that is analogous to the method of deconstructivism (Derrida). In relation to the modern tradition, here there is a shifting of the myth of originality towards the efficiency of the image and to its presence as living matter. And thus the conceptually understood drawing becomes identical to the very concept of the image.

Laranjo shares this primacy of drawing as a “silent” instrument with German Romanticism and its disciples, yet it is capable of being a global statement. It was Caspar David Friedrich who, in his self-portrait drawing presenting one eye illuminated and another in the shade, thematised the dialectic of the gaze being simultaneously aimed at the inside and the outside, making the permeability of levels of reality evident. This idea found its prolonging in Joseph Beuys, who sees drawing as a fusion of several different “writings”. Laranjo has a spiritual affinity with Beuys, to whom he pays homage in a series of drawings. Poetic and ethical aspects, which come together in Beuys’s cross signature as a sign of passion for a vital concept, make mental and emotional relationships obvious in the drawing. In the work of Beuys, who believes he is drawing even when he writes his name, the personal penetrates into the universal and the intimacy of the private penetrates into the supra-individual. In this process the translucent transitions of chiaroscuro stress the transference of the signs. In Laranjo’s words: “Drawing is a beginning and an end in itself. It presupposes a process of involving all the senses and all the capacities of understanding and intuition. Of simultaneously looking at ourselves and at the whole universe”.

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Translation from Portuguese by David Alan Prescott

Joachim Hesinger von Weldegg: PhD in History of Art, curator and promoter of exhibitions in the Hamburg, Bonn and Mannheim museums. Since 1984 he has been Professor of History of Art at the Karlsruhe Academy of Plastic Arts and published several works on modern art, as well as essays on the theory of art and on the theory of drawing.